El verdadero nombre de este dramaturgo y poeta español fue Alejandro Rodríguez Álvarez, pero se hizo conocido con el seudónimo de Alejandro Casona. Formó parte de la llamada Generación del 27 –junto con autores de la talla de Federico García Lorca, Jorge Guillén, Rafael Alberti, Pedro Salinas, Dámaso Alonso, entre otros-.
La tercera palabra es una obra breve, dividida en tres actos, que narra la historia de Pablo, un joven de 24 años con una vida muy particular. En efecto, el padre de Pablo, desencantado con el mundo, se ha llevado a su hijo al monte y lo ha criado en contacto con la naturaleza, pero privándolo de una educación tradicional. El personaje de Pablo responde a las características del “buen salvaje”, y por su pureza de corazón se acerca a los personajes propios del romanticismo.
Al morir su padre, Pablo es tomado a cargo por sus tías, quienes están desesperadas por educarlo y encauzarlo, pese a lo cual no logran conseguir un tutor adecuado para el muchacho. En determinado momento llega Marga, quien acepta ser la maestra de Pablo. Por supuesto, la trama de la obra no tarda en complicarse a partir de que estos dos personajes tan diferentes se relacionan.
Una de las conversaciones entre Pablo y Marga revela el significado del título de la obra: en efecto, Pablo sostiene que existen dos palabras misteriosas, Dios y la Muerte, que hacen temblar a los hombres, y al conocerla a ella vislumbra que hay una tercera. Es innecesario aclarar que esa palabra que Pablo solamente intuye: “Además de dios y muerte… ¿hay una tercera palabra que nos hace temblar? Si, hay un tercer misterio que es un poco como sentir a dios y dejarse morir. Pero esa tercera palabra; cuando es verdad, es mejor decirla en silencio”.

Opinión personal: Una obra breve y simple, fácil de leer y que por lo tanto se suele destinar a estudiantes de escuela media. Pero me gustaría destacar que el teatro de Casona tiene su belleza dentro de su sencillez.

La nona forma parte de un género teatral conocido como el grotesco criollo: un teatro que es espejo de costumbres, reflejo de la falta de dinero, de la necesidad y de la formación de una nueva identidad nacional. Vinculadas con la inmigración de principios de siglo XX –y con los fracasos de la misma, la miseria de aquellos que habían llegado a Buenos Aires pensando en hacerse ricos, el rejunte de nacionalidades y su no siempre armoniosa convivencia-, una serie de piezas teatrales se dedican a destacar situaciones y personajes disparatados y ridículos, que por momentos provocan la risa del espectador y en otras ocasiones lo mueven a lástima o a rechazo.
Roberto Cossa magistralmente consigue este doble efecto en La nona, una pieza breve dividida en dos actos. Los protagonistas son hijos de inmigrantes italianos, que viven al sur de la ciudad y mantienen un comercio medianamente próspero. Los hermanos, Carmelo y Chicho, son como dos polos opuestos: Carmelo es el comerciante preocupado en progresar, Chicho es un holgazán que se refugia en la excusa de componer su música para evitar trabajar. Pero el hogar parece desmoronarse bajo la presión de la nona (la abuela, nonna en italiano), quien, con sus cien años, está más viva que nunca y no para de comer y de demandar continuamente más alimentos. Hay otros tres personajes femeninos que son la tía, la esposa y la hija de Carmelo. Entre todos, se las ingenian como pueden para alimentar a la insaciable nona, pero llega un momento en que los recursos se agotan. ¿Qué hacer?
El primer acto de la obra es decididamente cómico, mostrándonos las excentricidades de la vieja (casi siempre representada por un hombre, como el genial Pepe Soriano), los artilugios de Chicho para no tener que trabajar y las posibles soluciones para librarse de la nona. Pero el segundo acto es, por el contrario, puramente grotesco: al espectador se le muestra en toda su crudeza la miseria de la familia, las terribles consecuencias de la voracidad de la nona y la muerte, que va engulléndolos uno a uno.

Opinión personal: Una obrita impecable, que consigue sus efectos con tan sólo la lectura. Si el lector tiene oportunidades de asistir a una buena representación de la misma, es altamente recomendable. De lo contrario, se puede optar por conseguir la cinta de 1979, cuyo guión es del mismo Cossa junto con Héctor Oliveira.

García Lorca, manifestando su simpatía por el teatro marginal y popular, escribió esta obra en 1936, poco antes de ser fusilado. Pero La casa de Bernarda Alba debió esperar casi una década para ser estrenada, lo que sucedió recién en 1945, en la ciudad de Buenos Aires, por la compañía de la actriz Margarita Xirgu.
En esta obra, García Lorca despliega todas sus críticas a una sociedad patriarcal y opresora donde las mujeres están presas de la moral, las costumbres y los deberes para con la familia. Todas las protagonistas son femeninas, ya que se muestra un universo sin hombres (el encierro en la casa de la viuda Bernarda) y el desequilibrio inevitable que acontece cuando a este mundo penetra una figura masculina.
Los personajes de la obra, dentro de un estilo realista, mantienen características propias de los estereotipos. Bernarda es el personaje central, madre castradora y dominante, busca controlar absolutamente todo lo que hacen y sienten sus hijas, y no soporta que la situación se le vaya de las manos. Su anciana madre, María Josefa, es la única que no se calla, que en medio de su delirio senil expresa el deseo de amor y de libertad que las jóvenes no se atreven a reclamar. La criada, la Poncia, es quien más claramente manifiesta el resentimiento contra Bernarda, a la vez que no se le opone explícitamente, manifestando la opresión de la servidumbre. Las cinco hijas son mujeres frustradas, que sólo buscan escapar de la tiranía materna. Angustias, la mayor, está por casarse debido a su dinero –ella lo sabe, no le importa-. Las dos hijas más jóvenes, la tullida Martirio y la joven Adela, también aman a Pepe el Romano, el pretendiente. Y la tragedia no tardará en desatarse.
Entre los temas que la obra toca, el central es probablemente la situación de opresión de las mujeres y la búsqueda de la libertad. El autoritarismo, el poder y las tradiciones conservadoras son sus principales cadenas. García Lorca refleja en su escritura su identificación con los sectores oprimidos de la sociedad, con quienes se identifica.

Opinión personal: Una obrita muy interesante. García Lorca abandona el verso y se vuelca a la prosa, con lo cual es mucho más fácilmente legible, casi como un cuento. Los tres actos la estructuran de manera natural y facilitan el desarrollo de los acontecimientos.

Samuel Beckett tenía ya varios libros publicados cuando la ciudad de París fue el lugar donde se estrenó la que probablemente sea su obra más famosa: Esperando a Godot. Desde entonces, ha causado tanta estupefacción y tanto éxito, que por décadas no ha dejado de estar presente en algún escenario del mundo. Hasta entonces, Beckett era solamente conocido como el ex secretario de otro famoso autor irlandés, James Joyce.
Esta obra de teatro está escrita originariamente en francés, pero el propio Beckett la tradujo al inglés poco tiempo después. En efecto, alternó durante su actividad literaria entre ambos idiomas. El escritor cosechó mucha fama en vida, llegando a ganar el Premio Nobel de Literatura en 1969.
Esperando a Godot es un exponente del llamado “teatro del absurdo”, del cual Beckett fue una figura clave. Caracterizan a este tipo de obras los diálogos que en un principio parecen no tener sentido, las escenografías despojadas, los personajes extraños que desconciertan a los espectadores. La trama de Esperando a Godot puede resumirse como lo hiciera el crítico Vivian Mercier: “Nada ocurre, dos veces”. De hecho, la obra muestra a dos personajes, Vladimir y Estragon, que se la pasan esperando a un tal Godot, con quien aparentemente tienen una cita. Cada tanto, un personaje aparece en escena para avisarles que Godoy no va a poder acudir, y que deben seguir esperándolo. Pero lo curioso es que Godot nunca aparece en escena, y el público no llega a enterarse de quién o qué es. Algunos críticos han visto en el nombre una alusión al mismo Dios (en inglés, God), pero Beckett se ha encargado de desmentir esta versión.
La obra se sitúa dentro de la corriente de pensamiento existencialista, y Beckett reflexiona acerca de la falta de sentido de la vida humana, el tedio y la desesperanza.

Opinión personal: Una obra que me dejó completamente desencajada, sin saber qué pensar al cerrar el libro. Creo que con ello Beckett cumple su propósito. Reconozco que debería leerla al menos una vez más, aunque dudo que esto me aclare las ideas.

Comentario: Esta famosa tragedia de William Shakespeare fue compuesta por el ilustre dramaturgo en 1605 o 1606, pero sólo fue dada a publicidad cerca de veinte años más tarde. Por aquellos tiempos, se dice que Londres estaba siendo frecuentada por muchos escoceses, quienes habían viajado a ver la coronación de Jacobo I, y en boca de estos visitantes escuchó el poeta por primera vez la historia que está en el origen de su tragedia. También se basó en crónicas sobre la historia escocesa: efectivamente, Macbeth fue un rey de Escocia en el siglo XI.
La tragedia está dividida en cinco actos, y compuesta en prosa y verso. No existe la certeza de que haya sido compuesta en su totalidad por Shakespeare, ya que los expertos han encontrado muchísimas similitudes entre esta obra y The Witch (la bruja), de Thomas Middleton, quien podría haber realizado la adición de algunos pasajes posteriores.
El protagonista es Macbeth, un general escocés quien tiene a su favor al rey Duncan, primo suyo. Se encuentra con tres brujas, quienes le predicen que llegará a ser rey, mientras que a Banquo, otro señor escocés, le pronostican que será padre de reyes. Macbeth se entusiasma con la profecía, y por su ambición desmedida, sumada a la de su esposa, Lady Macbeth, aprovecha una ocasión en la que el rey es su huésped y lo asesina en sus aposentos. La profecía no tardará en cumplirse, y Macbeth llegará al trono, pero entonces se verá constantemente asechado por sus enemigos (tanto los reales como los imaginarios, productos de la culpa).
El tema principal de esta tragedia es la traición, así como también la ambición desmedida. Debido a que, como otras obras de Shakespeare, tiene un argumento que por ser tan característico de las pasiones humanas, es fácilmente extrapolable a otros contextos y otros tiempos. Existen muchísimas adaptaciones de Macbeth al cine, versiones literarias, adaptaciones a musicales y a la televisión, pero tal vez una de las versiones más originales que se hayan hecho de esta obra sea la película Hombres de respeto, dirigida y adaptada por William Reilly y protagonizada por John Turturro, donde se ambienta la historia de Macbeth a la mafia italoamericana.

Opinión personal: Es una tragedia que tiene todos los ingredientes como para funcionar: traición, crimen, un importante elemento sobrenatural y el misterio de las profecías. No podría esperarse menos de parte del mayor dramaturgo de la literatura inglesa, y uno de los más importantes de la literatura universal.