La muerte de un viajante es la obra más conocida del dramaturgo norteamericano Arthur Miller, y una de las obras más significativas del teatro de los Estados Unidos. Estrenada en 1949 bajo la dirección de Elia Kazan, se representó más de 700 veces, y desde entonces ha sido interpretada por numerosas compañías teatrales de todo el mundo. Tanto el nombre de Arthur Miller como el del protagonista, Willy Loman, han pasado a formar parte del folklore norteamericano.
La muerte de un viajante es una crítica al sueño americano de posguerra, que apunta a progresar materialmente sin considerar los medios desde un punto de vista ético. Además, la importancia de esta obra es que Arthur Miller da vuelta la concepción aristotélica de la tragedia: en efecto, Aristóteles hablaba de la tragedia como la narración de la caída de un gran hombre. En cambio, Miller da cuerpo a un hombre mediocre, que viene en decadencia tiempo ha, y cuya caída no modifica el mundo, sino simplemente sacude a su familia pequeñoburguesa. Miller, por lo tanto, democratiza la tragedia.
El protagonista de la obra es Willy Loman, un viajante de comercio de 63 años, quien toda su vida ha luchado por hacer realidad sus sueños de riqueza y gloria –llegar a ser el número uno- y que, con la edad y la progresiva senilidad, ve desvanecerse todas sus ilusiones. Lo acompañan su fiel esposa Linda, quien lo apoya pese a ver que la vida de su marido se sustenta en una base de mentiras permanentes a sí mismo, y sus hijos, Biff y Happy. Biff está resentido con su padre desde que lo descubrió siéndole infiel a su madre. Por ello, ha intentado vivir su vida de una forma opuesta a la que le fue inculcada, sin darse cuenta de que ha repetido ciertos patrones. En cambio, Happy secunda al padre e intenta por todos los medios conseguir su aprobación. Una última figura importante es la de Ben Loman, hermano de Willy recientemente fallecido, quien antes de morir logró enriquecerse y que representa para Willy todos los sueños que él no ha llegado a cumplir y que ahora debe admitir que jamás se harán realidad.

Opinión personal: Una muy buena obra, representativa del sueño americano pero a la vez crítica con el sistema capitalista en general, al que denuncia y satiriza.

Probablemente sea una de las obras más veces representada, con más versiones cinematográficas, también musicales (incluso en la ópera), uno de los libros más citados y una de las historias de amor más conocidas de toda la historia de la literatura, aún por aquellos quienes nunca la han leído. Romeo y Julieta es una de las tragedias que Shakespeare compuso y llevó a escena, y está basada en un cuento italiano de 1562 que tuviera luego versiones en verso. Shakespeare cotejó las diferentes versiones y creó a sus propios personajes secundarios para extender la narración.
La historia de Romeo y Julieta se considera un arquetipo del “amor prohibido”: se trata de dos jóvenes (en realidad, adolescentes para los parámetros actuales) que se enamoran profundamente. Los dos jóvenes se conocen en una fiesta, se declaran mutuamente su amor, llegan incluso a casarse en secreto y a consumar su relación. Sin embargo, un inmenso obstáculo les impide estar juntos y vivir su amor: las familias de ambos (los Montesco y los Capuleto) están enfrentadas a muerte, y su enemistad ha teñido de sangre toda la ciudad de Verona. ¿Cómo podrían sus jóvenes hijos oponerse a los familiares y entregarse el uno al otro en libertad? No podrán. Efectivamente, Romeo y Julieta tiene un final trágico.
Los temas sobre los cuales gira esta obra de Shakespeare son, por supuesto, el del amor, un amor apasionado y con el componente ineludible de lo prohibido, pero también el del destino y los infortunios. La historia de la pareja protagonista gira entorno a una serie de equívocos y eventos desafortunados que marcan el devenir de los acontecimientos. Las lecturas que se han hecho sobre esta obra han sido diversas, ya que son muchos los símbolos que contiene y las interpretaciones que se han hecho sobre el carácter de sus personajes.

Opinión personal: Romeo y Julieta es una obra bellísima que puede apreciarse tanto leyéndola como viendo alguna de sus muchas representaciones. La versión más vanguardista es la película de Baz Luhrman de 1996, con Leonardo Di Caprio y Claire Danes, que muestra una Verona futurista pero que conserva los diálogos del texto original de Shakespeare.

Ariosto fue un gran escritor del Renacimiento italiano, no demasiado conocido por el público más allá de su obra maestra, el Orlando Furioso. Tal vez la cercanía con los tres grandes que fueron Dante, Petrarca y Boccacio lo haya opacado un poco, aunque de ninguna manera se le puede restar valor a su producción literaria.
Dentro de sus obras menos conocidas está La Cassaria, una comedia que fue representada por primera vez en la corte de Ferrara, en 1508. Si bien fue inicialmente escrita en prosa, más tarde –hacia 1528 o 1529- Ariosto se encargó de ponerla en verso, persiguiendo una estilización de la lengua vulgar que debía usar. El nombre de la obra puede traducirse como “el baúl” o “el arcón”, siendo éste un elemento que se encuentra en el centro de la intriga principal del argumento. La acción se desenvuelve en la ciudad griega de Metellino y se refiere a los encuentros de dos siervos astutos, Volpino y Fulcio.
Dentro de la historia del teatro italiano, La Cassaria es un primer intento de procurar un acercamiento al género clásico de la comedia. Ariosto, en este sentido, debe mucho a lo que el modelo latino dejó en herencia, especialmente por el lado de Terencio. Los tipos psicológicos de los personajes se mantienen fijos: jóvenes enamorados, siervos astutos, viejos avaros.
El argumento de La Cassaria refiere a dos jóvenes, Erófilo y Caridoro, que se han enamorado de sendas muchachas, Eulalia y Corisca, que son esclavas del rufián Lucrano. Volpino, el siervo, les propone a los jóvenes una estratagema: intentarán cambiar a las muchachas por una “cassaria” –un baúl muy ricamente adornado que pertenece al padre, Crisobolo-. Pero cuando éste llega inesperadamente, Volpino intenta cambiar el plan para intentar hacer pasar al rufián como un ladrón. La trama se complica pero, como en cualquier comedia clásica, hay un final feliz.

Opinión personal: Una obrita poco conocida y muy entretenida, ideal para adentrarse sin demasiado esfuerzo en la obra de Ariosto.

La vida de Jean Genet es propia de un personaje literario: abandonado por su madre prostituta cuando él tan sólo contaba con un año de edad, se inició muy pronto en la delincuencia. Primero ladrón, luego vagabundo, también llegó a prostituirse y estuvo en numerosas oportunidades en la cárcel. A los dieciocho años se unió a la Legión Extranjera, pero luego de un incidente en el cual se lo descubrió en un acto homosexual, volvió a ser puesto tras las rejas. En prisión escribió su primer poema y su novela Notre Dame des Fleurs. Poco tiempo después, conoció en París a Jean Cocteau quien, junto con otras figuras prominentes del ambiente intelectual (entre las que se contaban Pablo Picasso y Sartre, quien escribiera San Genet, comediante y mártir), abogó en defensa de Genet y lo salvó de ser condenado a cadena perpetua.
La carrera literaria de Genet estuvo marcada por la controversia y el escándalo. Sus retratos de personajes marginales –muchas veces homosexuales, delincuentes y deliberadamente provocativos- hicieron que su obra llegase a ser prohibida en los Estados Unidos de la década del 50.
Las criadas es su primera obra de teatro. Se estrenó en el Théâtre Athénée de París en 1947, y está inspirada por un caso real, el de las hermanas Papin, quienes asesinaran brutalmente a su empleadora y a la hija de ésta, en Le Mans, en el año 1933. Sin embargo, el argumento de Las criadas no se refiere explícitamente a las hermanas Papin. Las protagonistas son Solange y Clara, dos sirvientas que construyen un elaborado ritual sadomasoquista cuando su ama, Madame, está ausente. Una vez cada una, se van turnando para representar, con crueldad y sadismo, el rol de la señora y el de la criada que la asesina.

Opinión personal: Una obra breve pero rotunda, ideal para introducirse en el pensamiento de Genet, su crítica a los estereotipos sociales y su acercamiento a la marginalidad.

El verdadero nombre de este dramaturgo y poeta español fue Alejandro Rodríguez Álvarez, pero se hizo conocido con el seudónimo de Alejandro Casona. Formó parte de la llamada Generación del 27 –junto con autores de la talla de Federico García Lorca, Jorge Guillén, Rafael Alberti, Pedro Salinas, Dámaso Alonso, entre otros-.
La tercera palabra es una obra breve, dividida en tres actos, que narra la historia de Pablo, un joven de 24 años con una vida muy particular. En efecto, el padre de Pablo, desencantado con el mundo, se ha llevado a su hijo al monte y lo ha criado en contacto con la naturaleza, pero privándolo de una educación tradicional. El personaje de Pablo responde a las características del “buen salvaje”, y por su pureza de corazón se acerca a los personajes propios del romanticismo.
Al morir su padre, Pablo es tomado a cargo por sus tías, quienes están desesperadas por educarlo y encauzarlo, pese a lo cual no logran conseguir un tutor adecuado para el muchacho. En determinado momento llega Marga, quien acepta ser la maestra de Pablo. Por supuesto, la trama de la obra no tarda en complicarse a partir de que estos dos personajes tan diferentes se relacionan.
Una de las conversaciones entre Pablo y Marga revela el significado del título de la obra: en efecto, Pablo sostiene que existen dos palabras misteriosas, Dios y la Muerte, que hacen temblar a los hombres, y al conocerla a ella vislumbra que hay una tercera. Es innecesario aclarar que esa palabra que Pablo solamente intuye: “Además de dios y muerte… ¿hay una tercera palabra que nos hace temblar? Si, hay un tercer misterio que es un poco como sentir a dios y dejarse morir. Pero esa tercera palabra; cuando es verdad, es mejor decirla en silencio”.

Opinión personal: Una obra breve y simple, fácil de leer y que por lo tanto se suele destinar a estudiantes de escuela media. Pero me gustaría destacar que el teatro de Casona tiene su belleza dentro de su sencillez.