Comentario: Luigi Pirandello fue un conocido novelista, cuentista y dramaturgo italiano, quien en 1934 fuera galardonado con el Premio Nobel de Literatura. Seis personajes en busca de autor es posiblemente su obra más conocida. Estrenada en teatro en 1921, fue publicada en 1924, y posteriormente adaptada al cine y a la televisión.
En Seis personajes en busca de autor, Pirandello experimenta con el recurso del “teatro dentro del teatro”. En efecto, los seis personajes del título se aparecen en medio de un desnudo escenario teatral, pidiendo permiso para relatar su historia, interrumpiendo de esta manera a los actores que se preparaban para ensayar otra comedia del autor, El juego de las partes.
Los seis personajes son anónimos y están caracterizados como tipos sociales: el Padre, la Madre, la Hijastra, el Hijo, el Muchacho y la Niña, de diferentes edades muy marcadas por el guión. Estos personajes, cuentan, han sido abandonados a su suerte por el autor que los creó y por lo tanto están buscando a otro dispuesto a contar su historia. Lo que sucederá será que ellos mismos la representen en el escenario, excluyendo de esta representación al director y a los actores. Tanto ellos como el personal del teatro (el Tramoyista, el Escenógrafo, el Apuntador) son personajes al principio de la obra, y el Director continua realizando acotaciones durante la representación.
La historia de estos seis personajes es un drama familiar: el Padre, quien ha tenido al Hijo con la Madre, se separa de ella porque está enamorada de otro hombre. Posteriormente nace la Hijastra, y luego el Padre pierde la pista de su familia. La Madre retorna al pueblo viuda, pobre y madre de dos hijos más. La Hijastra se ve obligada a trabajar en la casa de citas de Madame Pace, donde la encuentra el Padre, sin reconocerla. Los personajes declaran que la representación no es tan sólo un relato, sino que así han vivido esta historia, y la reviven una y otra vez.

Opinión personal: Interesante obra, sobre todo por el recurso de mezclar personajes con personal del teatro, y la reflexión sobre la actuación y los modos de representar una u otra escena, como si de diálogos por afuera de la pieza se tratara. Por supuesto, debe ser más interesante verla en escena que leerla.

Comentario: Incluso para aquellos que no la hayan leído, el título de esta obra de Shakespeare remite a uno de los mayores exponentes del teatro universal. La tragedia del Príncipe de Dinamarca y la venganza por la muerte de su padre han dejado profundas huellas en la literatura de los siguientes siglos, hasta el día de hoy. Escrita durante el reinado de la Reina Isabel, la obra ha sido representada y adaptada innumerables veces, y llevada en más de una oportunidad a la pantalla grande (tanto en su adaptación literal como en otras más libres, de las que un ejemplo es la película animada de Disney, El Rey León).
El argumento de la obra gira alrededor de la lucha por el poder, la familia, la venganza y la locura. El joven príncipe Hamlet es visitado por el fantasma de su padre, quien le revela que su tío Claudio, en complicidad con la madre de Hamlet, han urdido su asesinato. El espectro reclama al hijo que vengue su muerte. Paralelamente, se cuenta la relación entre Hamlet y su amada Ofelia, quien se ve obligada a dejarlo. La tragedia golpeará a los personajes, tomando sus vidas no sin que antes el espiral de la venganza se cierna sobre ellos.
La historia de Hamlet no fue inventada por Shakespeare, sino retomada de una antigua leyenda que el historiador medieval Saxo Grammaticus recopiló en el siglo XIII. Los temas sobre los que gira la obra son la corrupción, la muerte, la venganza y el juego entre apariencia y realidad. Una importante innovación de Shakespeare fue haber introducido “la obra dentro de la obra”, en la conocida escena donde unos actores representan, dirigidos por el propio Hamlet, el asesinato que ha tenido lugar en el Castillo de Elsinor.

Opinión personal: Como cualquier clásico, vale la pena abordarlo simplemente por su valor histórico. Pero en el caso de Hamlet, la trama se mantiene muy actual: se está narrando una tragedia muy humana, la tragedia de la duda, la de la desesperación y nuestra imperfecta naturaleza. Shakespeare, además, utiliza un lenguaje muy rico que no está falto de ironía y una dosis de humor.

Comentario: El zoo de cristal fue escrito originariamente como un guión que la MGM le encargara a Tennessee Williams, y terminó convirtiéndose en su primera gran obra, así como uno de los mayores exponentes del teatro norteamericano del siglo XX. Posteriormente la obra ha sido adaptada tanto al cine como también a la televisión.
El zoo de cristal retrata la vida de los Wingfield, una familia sureña: la madre, Amanda, obsesionada con salir de la pobreza y sacar adelante a su hija; la hija, Laura, una joven cuya leve discapacidad la ha transformado en un ser patológicamente inseguro, volcada exclusivamente al cuidado de sus figurillas de cristal; el hijo, Tom, joven ambicioso que se debate entre el deber de cuidar a su familia y el deseo de salir al mundo. El último personaje es Jim, un candidato de convencional buena apariencia, que representa todo lo que la familia ha deseado. A su vez, impacta la figura del padre ausente, que está en boca de los personajes y cuya fotografía se destaca en momentos clave, gracias a las indicaciones expresas del autor para con la iluminación. También la música aparece muy pautada.
El argumento gira alrededor de la obsesión de Amanda por encontrar un candidato para su hija Laura. El relato aparece en la boca de Tom, quien es el vínculo directo de la familia Wingfield con los espectadores. A través de sus palabras el público conoce los pormenores y los entretelones de estos personajes, exponentes de la búsqueda frustrada del sueño americano.

Opinión personal: Como cualquier obra de teatro, lo más recomendable sería asistir a una representación de la misma, o bien mirar alguna de sus tantas adaptaciones a la pantalla. Sin embargo, el texto de Tennessee Williams es claro y ameno, y se puede disfrutar del relato con su simple lectura.

Comentario: Federico García Lorca fue sin duda uno de los principales exponentes de la llamada Generación del ’27, así como uno de los más renombrados autores españoles del siglo XX. Si bien escribió bellos poemas, alcanzó la fama internacional como autor de obras teatrales. Las más importantes se consideran una trilogía: Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba.
La primera de ellas, Bodas de sangre, fue escrita a partir de un hecho policial real: una novia se fugó con un hombre el día de su boda, y para vengar su honor, el novio asesinó al amante. Claramente puede apreciarse que la temática de la obra girará acerca del honor, la venganza y también la pasión. La “sangre” del título alude a distintos motivos: la sangre es la propia familia, la sangre es el ardor pasional imposible de refrenar, la sangre también es la muerte y la violencia. García Lorca trabaja con estos motivos, tratándolos con figuras poéticas de gran riqueza. Es una obra que combina simbolismos con motivos populares (como las nanas).
García Lorca tiene especial habilidad para caracterizar la situación de opresión y encierro que viven las mujeres en la época de la Guerra Civil. El imposible al espectador (o al lector) no identificarse con la motivación de la Novia, la Madre, la Mujer. Mediante personajes anónimos, García Lorca nos transmite la universalidad del drama que se está narrando.
La obra fue estrenada en 1933 en Madrid por la compañía de Josefina Díaz de Artigas, y desde entonces ha sido llevada a escena en innumerables versiones por todo el mundo, así como también adaptada al cine.

Opinión personal: Si bien como cualquier obra del género dramático es recomendable disfrutarla en una puesta en escena, la lectura de las páginas de García Lorca se disfruta por sí misma. La riqueza de sus metáforas (entre las que es clásica su caracterización de la luna “Cisne redondo en el río, / ojo de las catedrales…”), así como su ágil combinación de prosa y de verso, hacen de Bodas de sangre una obra literaria muy amena.