Comentario: Luigi Pirandello fue un conocido novelista, cuentista y dramaturgo italiano, quien en 1934 fuera galardonado con el Premio Nobel de Literatura. Seis personajes en busca de autor es posiblemente su obra más conocida. Estrenada en teatro en 1921, fue publicada en 1924, y posteriormente adaptada al cine y a la televisión.
En Seis personajes en busca de autor, Pirandello experimenta con el recurso del “teatro dentro del teatro”. En efecto, los seis personajes del título se aparecen en medio de un desnudo escenario teatral, pidiendo permiso para relatar su historia, interrumpiendo de esta manera a los actores que se preparaban para ensayar otra comedia del autor, El juego de las partes.
Los seis personajes son anónimos y están caracterizados como tipos sociales: el Padre, la Madre, la Hijastra, el Hijo, el Muchacho y la Niña, de diferentes edades muy marcadas por el guión. Estos personajes, cuentan, han sido abandonados a su suerte por el autor que los creó y por lo tanto están buscando a otro dispuesto a contar su historia. Lo que sucederá será que ellos mismos la representen en el escenario, excluyendo de esta representación al director y a los actores. Tanto ellos como el personal del teatro (el Tramoyista, el Escenógrafo, el Apuntador) son personajes al principio de la obra, y el Director continua realizando acotaciones durante la representación.
La historia de estos seis personajes es un drama familiar: el Padre, quien ha tenido al Hijo con la Madre, se separa de ella porque está enamorada de otro hombre. Posteriormente nace la Hijastra, y luego el Padre pierde la pista de su familia. La Madre retorna al pueblo viuda, pobre y madre de dos hijos más. La Hijastra se ve obligada a trabajar en la casa de citas de Madame Pace, donde la encuentra el Padre, sin reconocerla. Los personajes declaran que la representación no es tan sólo un relato, sino que así han vivido esta historia, y la reviven una y otra vez.

Opinión personal: Interesante obra, sobre todo por el recurso de mezclar personajes con personal del teatro, y la reflexión sobre la actuación y los modos de representar una u otra escena, como si de diálogos por afuera de la pieza se tratara. Por supuesto, debe ser más interesante verla en escena que leerla.

Comentario: El ganador del premio Nobel de Literatura William Golding retrata en esta novela el fracaso de la sociedad humana, que sucumbe ante los bajos instintos que son naturales en el hombre. La maldad, la ambición, la lucha por el poder, el miedo, son todos elementos presentes en el ser humano, frente los cuales éste no puede hacer nada. Más de un crítico ha señalado la relación entre Golding y el libro Leviatán del filósofo Thomas Hobbes, aquel quien dijera “el hombre es el lobo del hombre”.
El argumento de El Señor de las Moscas gira alrededor de un grupo de niños ingleses que sobreviven a un accidente aéreo, y terminan en una isla desierta. Al encontrarse solos, los niños emprenden la construcción de lo que piensan será una sociedad utópica: la descripción de los paisajes paradisíacos acompaña las actividades de los niños, sus zambullidas en el mar y sus juegos y aventuras sin los límites impuestos por los adultos. Pero no transcurren muchos capítulos antes de que la descripción del espíritu infantil se convierta en un retrato del salvajismo, y la utopía pase a transformarse en una distopía.
Al verse frente a frente con las dificultades (la constante necesidad de alimento, la oscuridad, el miedo, el enfrentamiento entre dos niños muy carismáticos que hacen las veces de líderes) los conflictos no tardarán en aparecer. La elección de una autoridad, la división del trabajo, la necesidad insatisfecha de normas y de moral, todo se conjugará en la violencia y el caos. La hoguera –símbolo de la esperanza de ser rescatados- se apagará, y con ella se manifiesta el olvido del mundo exterior, y el abandono a la naturaleza anárquica y salvaje del ser humano.
El Señor de las Moscas ha sido adaptada al cine –con algunos cambios en su argumento, pero siguiendo la línea esencial- en 1990.

Opinión personal: Es un libro duro y pesimista, si bien brillante y lleno de símbolos. El título de la novela hace referencia a la bestia interior que todo hombre lleva consigo, que aunque nuestra moderna civilización parezca apaciguar sólo está esperando el momento oportuno para emerger y arrastrarnos con ella.

Comentario: Esta obra narrativa, contada en primera persona por el náufrago protagonista, es resultado de un reportaje que García Márquez hiciera a Luis Alejandro Velasco, tripulante del buque militar A. R. C. Caldas, quien, en tiempos de la dictadura militar colombiana, protagonizara un incidente: él y otros de sus compañeros cayeron del buque al mar, fue imposible rescatarlos, y sólo Velasco consiguió mantenerse a flote y permanecer con vida. Consiguió aferrarse a una balsa y permanecer en ella varios días, hasta que finalmente la corriente lo devolviera a costas colombianas.
El principal interés de la narrativa lo constituyen los padecimientos vividos por Velasco. García Márquez elige relatar desde su punto de vista el transcurrir de los días a la deriva, sin alimentos ni agua potable, y su incansable lucha por la supervivencia. Los acontecimientos más nimios se magnifican ante los ojos del hombre que tiene al mar como todo horizonte: la desesperación y la impotencia sentidas al ver a sus compañeros ahogarse delante de sus ojos, la que devora unas tarjetas de cartón que por casualidad conservara en su bolsillo, el intento de capturar un pez, la sed como una sensación de dolor perenne.
La historia en un primer momento fue publicada por entregas en el periódico El espectador de Bogotá, y tuvo una gran repercusión en Colombia. Finalmente, en 1970 se la publicó en forma de libro sin que su autor estuviera al tanto.

Opinión personal: Siendo una obra menor dentro de la narrativa de García Márquez, puede servir de todos modos como puerta de entrada a la obra del escritor ganador del Nobel. En su momento tuvo gran interés periodístico.

Comentario: Esta novela ha sido considerada por algunos como la obra cumbre del escritor ganador del premio Nobel, Hermann Hesse. En El lobo estepario, Hesse realiza una síntesis entre elementos autobiográficos y fantásticos, que se combinan para dar forma al personaje principal, Harry Haller. El libro tiene ciertos elementos de un trasfondo místico que también aparece en otras obras de Hesse, como Demian o Siddhartha. La exploración que hace el autor de la naturaleza humana le ha reportado seguidores en todo el mundo, quienes se sienten identificados con sus personajes perdidos y confusos.
Harry Haller, quien se define a sí mismo como un “lobo estepario”, es un hombre profundamente conflictuado, quien siente tener el alma partida al medio. Sus dos mitades, irreconciliables, son el hombre y el lobo. Es un personaje solitario, que reflexiona constantemente sobre la muerte y el suicidio. Sin embargo, a lo largo del libro va enfrentando una serie de transformaciones: el encuentro con una muchacha, Armanda, quien lo introduce en el mundo de la música; el uso de sustancias prohibidas; el erotismo; la reconciliación de sus dos mitades a partir del humorismo; ciertas conversaciones con personajes cada vez más inverosímiles (como por ejemplo, Mozart).
Acompañando a su protagonista, también el libro irá cambiando, hasta llegar a sorprender al lector: la aparición del teatro “Sólo para locos”, por ejemplo, es una vuelta de tuerca que cambia la concepción que se tiene de la novela hasta ese momento.

Opinión personal: Es uno de esos libros que marca a los lectores, quienes lo releen una y otra vez. No es extraño que Hesse despierte tanto fanatismo entre los adolescentes, pues tiene una manera de escribir en la cual el lector siente que es a él a quien le están hablando. Yo también me sentí así cuando leí este libro a los diecinueve años.

Comentario: Se trata de una de las novelas más famosas de Saramago, primer escritor portugués ganador del premio Nobel de Literatura (recibió este premio en 1998). Ensayo sobre la ceguera es la crónica de una epidemia de “ceguera blanca” que asola a todo un país. Una sola mujer conservará la vista, y servirá de guía a un grupo de personas que estarán, como todos los demás, perdidos en un mundo extraño y ajeno.
¿Cómo sería el mundo si todos nos quedáramos ciegos? Saramago reflexiona a lo largo de la novela sobre esta cuestión. La sociedad como tal se desmorona, y los seres humanos se rinden a sus instintos más crueles. ¿Qué lugar queda entonces para el amor, la solidaridad, la esperanza? El egoísmo de las personas aparece acrecentado, y la enfermedad como tal no hace más que sacar a la luz los muchos problemas de la sociedad actual. La novela refleja claramente la postura anti-globalización de Saramago.
La prosa de este autor es muy particular: utiliza pocos signos de puntuación (prescinde sistemáticamente, por ejemplo, de las rayas de diálogo) con lo que la escritura se asemeja a un fluir de conciencia directo del autor al lector, sin que mediara la escritura de por medio: claro que esto es un logro de su pluma. Los personajes aparecen tipificados, no tienen nombre propio sino que se los describe por algún rasgo: el viejo del ojo vendado, el médico, la chica de las gafas oscuras, la mujer del médico. Con esto, también se está ilustrando nuestro mundo de anónimos perdidos entre la multitud, ciegos, que apenas alcanzan a rozarse la punta de los dedos.

Opinión personal: Las páginas de este libro son desgarradoras en algunos momentos, luminosas en otros. Siempre sublimes. Inolvidables. En mi opinión, el mejor libro del autor.