Comentario: Entre la literatura de la costa y la de la sierra, contemporáneo al boom latinoamericano pero sin formar parte de éste, considerado por algunos máximo exponente de la novela indigenista del siglo XX, José María Arguedas se destaca como un escritor tan valioso como atípico. Fue autor de diversas novelas, así como científico social (antropólogo), traductor de quechua y estudioso de la cultura y el folklore peruanos. Influyó y fue homenajeado en varios textos por otro exponente de la literatura peruana que es Mario Vargas Llosa.
En Los ríos profundos, Arguedas utiliza la literatura como medio de denuncia, para exponer en toda su crudeza las atrocidades que viven los desprotegidos campesinos peruanos, la clase más baja y desprestigiada, a la que se discrimina tanto por su origen como por su lengua. Si bien esta novela está escrita en español, Arguedas incorpora diversos vocablos del quechua, que le dan autenticidad a los diálogos. Al final del libro hay un glosario con los términos utilizados.
A través de una narración lineal y directa, Arguedas da cuenta de la explotación, la miseria, la brecha insalvable entre dos mundos. El protagonista de la novela es Ernesto, un muchacho del cual ignoramos gran parte de su pasado (incluso su apellido). Huérfano de madre, ha sido abandonado por su padre en un colegio de curas. Los ríos profundos es por lo tanto una experiencia de aprendizaje, de autodescubrimiento y de duelo. Ernesto está entre dos mundos: no sabemos si es o no indio, aunque sí que ha vivido con ellos. Sus compañeros lo estigmatizan, pero a la vez el colegio intenta inscribirlo en una cultura católica e hipana. Y la lección que Ernesto terminará aprendiendo, a los golpes, será la de la soledad y el destierro.
Arguedas describe la realidad peruana de su tiempo con ojo crítico, en una historia sencilla, despojada y, sobre todo, muy triste. Así vivió también su autor, al punto de quitarse la vida en 1969.

Opinión personal: Una novela lenta, para leer como puerta de entrada a una cultura desgarrada. Vale la pena abordarla tanto por sus diálogos, muy ricos en expresiones en quechua, como también por el testimonio social que aporta.

Comentario: Todos los nombres fue escrito por José Saramago poco antes de obtener el premio Nobel de Literatura, que la Academia sueca le otorgara por su capacidad de «volver comprensible una realidad huidiza, con parábolas sostenidas por la imaginación, la compasión y la ironía». Este libro funciona como un buen ejemplo de dichas cualidades.
En Todos los nombres, Saramago nos relata la historia de Don José –que, dicho sea de paso, es el único nombre que aparece en todo el libro-. Se trata de un solitario empleado del Registro Civil, que lleva una vida simple y monótona, y cuya única afición es el secreto hábito de recortar y coleccionar noticias sobre personas famosas, a la vez que completa su información con datos obtenidos de los documentos del Registro donde él trabaja. La vida de Don José da un giro cuando por azar se topa con la ficha de una mujer desconocida, y sin siquiera haber visto su foto, se obsesiona con aquel nombre y llega a enamorarse de ella. Nada entonces lo detendrá en su búsqueda.
La prosa de Todos los nombres es la marca del autor: despojada de signos de puntuación y de líneas de diálogo, Saramago escribe como si el libro se estuviera contando por sí mismo. De esta manera nos transmite, por medio de un lenguaje simple y cotidiano, una intrincada historia de amor, de desventuras, por sobre todas las cosas de soledad. Además de ser una novela psicológica, el autor no deja de trazar una irónica crítica a la burocracia, y de reflejar en la soledad de Don José el aislamiento en el que vivimos los hombres en el mundo contemporáneo.

Opinión personal: Bello, enigmático, triste, uno de los más atrapantes libros de Saramago. Una historia de amor atípica que el lector seguramente recordará durante mucho tiempo. Además, no deja de contener cierto mensaje político, característico de las obras del autor.

Comentario: El desierto de los Tártaros es considerada la obra maestra del autor, artista plástico y periodista italiano Dino Buzzati. Con ella alcanzaría fama internacional, siendo elogiado por autores de la talla de Jorge Luis Borges. La novela fue adaptada al cine en 1976 por Valerio Zurlini.
La novela cuenta la historia de Giovanni Drogo, un joven militar que se incorpora a las defensas de la Fortaleza Bastiani, un lugar apartado del mundo, una construcción militar desdibujada frente al desierto inhóspito y hostil. La rutina del protagonista se desenvuelve escrutando un horizonte vacío, en medio de los cambios de guardia y las conversaciones intrascendentes con sus compañeros. El afuera deja de pertenecerle, lo que queda en evidencia en el capítulo en que le otorgan un permiso y se reencuentra con su madre y su enamorada, a las cuales tiene poco y nada que decirles. Recorre su ciudad sintiéndose un extranjero, para luego retornar a la Fortaleza.
Si bien en un comienzo la estancia en este lugar parece ser algo temporario, Drogo terminará viendo transcurrir toda su vida en la Fortaleza Bastiani, siempre a la espera de un inminente ataque de los tártaros, que sólo llegará cuando para el protagonista sea demasiado tarde. Efectivamente, la muerte lo alcanzará antes de concretarse el combate que ha estado esperando toda su vida.
Muchos han señalado la profunda influencia que la literatura de Kafka ha ejercido en Buzzati. Además de retratar el clima de incertidumbre y espera propio de los albores de la Segunda Guerra Mundial, Buzzati crea una situación insostenible de espera constante, de las rutinas inútiles y del transcurrir vano de la existencia. El libro puede leerse como una alegoría de la condición humana, la desesperanza y el absurdo de nuestra existencia en un mundo vacío y sin sentido.

Opinión personal: Una novela angustiante y que por momentos desespera en su quietud. No por ello menos recomendable, especialmente para los fanáticos de la literatura kafkiana, a la que remite en su temática más que en su estilo.

Comentario: Esta novela ha sido considerada por algunos como la obra cumbre del escritor ganador del premio Nobel, Hermann Hesse. En El lobo estepario, Hesse realiza una síntesis entre elementos autobiográficos y fantásticos, que se combinan para dar forma al personaje principal, Harry Haller. El libro tiene ciertos elementos de un trasfondo místico que también aparece en otras obras de Hesse, como Demian o Siddhartha. La exploración que hace el autor de la naturaleza humana le ha reportado seguidores en todo el mundo, quienes se sienten identificados con sus personajes perdidos y confusos.
Harry Haller, quien se define a sí mismo como un “lobo estepario”, es un hombre profundamente conflictuado, quien siente tener el alma partida al medio. Sus dos mitades, irreconciliables, son el hombre y el lobo. Es un personaje solitario, que reflexiona constantemente sobre la muerte y el suicidio. Sin embargo, a lo largo del libro va enfrentando una serie de transformaciones: el encuentro con una muchacha, Armanda, quien lo introduce en el mundo de la música; el uso de sustancias prohibidas; el erotismo; la reconciliación de sus dos mitades a partir del humorismo; ciertas conversaciones con personajes cada vez más inverosímiles (como por ejemplo, Mozart).
Acompañando a su protagonista, también el libro irá cambiando, hasta llegar a sorprender al lector: la aparición del teatro “Sólo para locos”, por ejemplo, es una vuelta de tuerca que cambia la concepción que se tiene de la novela hasta ese momento.

Opinión personal: Es uno de esos libros que marca a los lectores, quienes lo releen una y otra vez. No es extraño que Hesse despierte tanto fanatismo entre los adolescentes, pues tiene una manera de escribir en la cual el lector siente que es a él a quien le están hablando. Yo también me sentí así cuando leí este libro a los diecinueve años.

Comentario: Este volumen contiene la totalidad de poemas que, en portugués, fueran publicados en vida del autor, con excepción del libro Mensagem. En vida, el autor se dedicó al periodismo y a las traducciones, también publicó algunos poemas, ya sea bajo su nombre o el de sus heterónimos. Sin embargo, la obra de Pessoa es muy vasta, y aún no ha sido estudiada en su totalidad: luego de su temprana muerte, acaecida en 1935, se descubrió un legendario baúl con miles de poemas inéditos, que el autor dejó anotados en papeles dispersos.
Fernando Pessoa sólo publicó con su nombre real algunos de sus poemas: para los demás utilizó diversos heterónimos, es decir, personalidades poéticas separadas. Cada una con una temática y un estilo muy particular, Ricardo Reis, Alberto Caeiro y Álvaro dos Campos son las más conocidas. Caeiro es una suerte de maestro de los demás: de poesías bucólicas y un canto a la sencillez, al panteísmo y a la naturaleza (“Pero si Dios es los árboles y las flores / Y los montes y la luna y el sol, / ¿Para qué llamarlo Dios?”). Reis sigue el modelo de los clásicos latinos (“Amo las rosas del jardín de Adonis, / Esas rosas fugaces, Lidia, amo, / Que mueren en el día, / En que nacen”). Finalmente, Dos Campos apuesta al futurismo y la exaltación del acelerado presente en que vive (“¡Oh ruedas, oh engranajes, r-r-r-r-r-r-r eterno! / ¡Fuerte espasmo retenido de la maquinaria en furia!”).
La temática de la soledad del individuo, del sinsentido y la saudade (a veces traducida como “nostalgia”) recorre la obra del gran poeta portugués, dándole unidad de sentido a la diversidad de su producción.

Opinión personal: Si un lector, sin que conozca la lengua original, es capaz disfrutar de la poesía aún cuando ésta ha pasado por el filtro de la traducción, esto significa que el poeta es grande: que más allá de que –como es el caso- haya reivindicado su lengua como su patria, tiene algo que transmitirle a toda la humanidad. Considero que eso ocurre justamente con Pessoa. Ayuda además la excelente edición bilingüe portugués-español que publicó Emecé.